Der Film des französischen Regisseurs Michel Hazanavicius erzählt die (fiktive) Geschichte des Stummfilm-Stars George Valentin (Jean Dujardin). Man schreibt das Jahr 1927, in dem Valentin auf dem Höhepunkt seines Erfolgs ist. Zufällig lernt er die junge Schauspielerin Peppy Miller (Bérénice Bejo) kennen, die beiden flirten intensiv miteinander – aber Valentin ist (unglücklich) verheiratet. Die beiden verlieren sich wieder aus den Augen. Peppy arbeitet sich zum neuen Star in Hollywood empor, für Valentin geht es bergab. Der Tonfilm ist groß im Kommen, doch der Star will von den Talkies nichts wissen.

Ob “The Artist” ein außergewöhnlich guter Stummfilm ist kann ich nicht so genau sagen, ich habe in meinem Leben vorher erst drei gesehen. Sicher ist, dass der Film witzig und rührend ist, und seine Hauptdarsteller äußerst charmant. Jean Dujardin kann mit dem kompletten Gesicht lächeln, aber auch vortrefflich Trübsal blasen. Bérénice Bejo schmeisst sich mit Hingabe in klassische Hollywood-Stummfilmposen, lacht, tanzt und leidet – verleiht ihrer Figur dabei aber auch eine sehr sympathische Bescheidenheit.

Das Drehbuch strotzt vor Witz und Einfällen, schafft es aber, dass die eigentliche Geschichte darüber nicht in den Hintergrund gedrängt wird. In zwei kurzen (und großartigen) Szenen setzt bei “The Artist” kurz normaler Ton ein, ansonsten ist ein schöner Soundtrack zu hören. Weil der nicht einmal besonders laut läuft und der Film einige absolut stille Momente hat, sitzt man im Kino häufiger mal da und traut sich kaum zu rühren – geschweige denn Chips zu knabbern.

Das Bildformat von 4:3 ist heutzutage sehr ungewöhnlich, passt aber natürlich ins historische Bild. Die Bilder wurden technisch ein bißchen auf alt getrimmt, etwas verwaschen und nicht ganz gestochen scharf, auch das sicher eine Verneigung vor der Ära, die “The Artist” so liebevoll portraitiert.

Ob diese gelungene Hommage einen Oscar verdient hat, darüber wird in Hollywood längst gestritten. Denn für einige Kritiker besitzt er zuwenig Anspruch und Tiefe, um für den größten Preis der Branche in Frage zu kommen. Mir persönlich ist diese Debatte recht egal – der Film bietet perfekte Unterhaltung, mehr muss wie ich finde auch nicht (immer) sein. Und wenn man sich die Oscar-Gewinner der letzten Jahre anguckt wird ohnehin schnell klar, dass keineswegs immer die besten Filme – oder die für die Entwicklung des Kinos bedeutendsten – gewonnen haben.

4/5

PS: Da ich gestern Buster Keatons “The General” gesehen habe, und den Film (von 1926!) ein ganzes Stück besser fand als “The Artist” gibts einen Punkt weniger als die ursprünglichen 5/5.

Holmes ist in ”A Game of Shadows” (Originaltitel) dabei herauszufinden, was der bösartige Professor James Moriarty (Jared Harris) im Schilde führt. Er verdächtigt ihn als Mastermind hinter einer Anschlagserie zu stecken, die anno 1891 Europa an den Rand eines Krieges geführt hat. Moriarty und Holmes begegnen sich dabei auf Augenhöhe, der Professor weiss, wer ihm da auf den Fersen ist, lässt sich davon aber nicht aus der Ruhe bringen. Stattdessen muss erstmal wieder der arme Watson (Jude Law) leiden, denn dessen Flitterwochen geraten in den eskalierenden Konflikt und sind beendet, bevor sie überhaupt angefangen haben.

Der Film beginnt in London und führt seine Figuren dann (meist mit dem Zug, zuweilen auch zu Pferde) quer durch Europa, bis zum Finale in den Schweizer Alpen. An der Seite von Holmes und Watson kämpft auch die Wahrsagerin Simsa (Noomi Rapace), deren Bruder in den finsteren Plot von Professor Moriarty verstrickt ist. Mit einer klassischen Detektivgeschichte hat das bunte Treiben nicht viel gemeinsam, “Sherlock Holmes – Spiel im Schatten” ist eher eine rasante Actionkomödie, in der lediglich ein paar der bekannten Genre-Zutaten zu finden sind.

Anders als noch im ersten Teil ist hier die Story (und die Frage nach der Auflösung derselben) nicht mehr das bestimmende Element. Der Weg ist eindeutig das Ziel. Regisseur Guy Ritchie lebt seine Vorliebe für dynamische Prügelszenen, Zeitlupen und markige Sprüche aus, in einer Actionszene fährt er gar das komplette Arsenal einer Waffenfabrik auf – inklusive Artillerie.

Auf der einen Seite ist es schade, dass der Film im Vergleich zum Vorgänger an Atmosphäre und auch Spannung verloren hat und sich nur selten eine Denkpause gönnt. Wem schon der erste Teil zu schrill und klamaukig war, der wird an “Spiel im Schatten” keine rechte Freude haben. Die gute Nachricht ist, dass der Film ganz hervorragend (und auch recht niveauvoll) zu unterhalten weiss. Er ist witzig, glänzt mit einfallsreichen Details und vielen guten Figuren – unter ihnen auch Stephen Fry als Sherlocks großer Bruder Mycroft Holmes.

Downey Jr. und Jude Law sind bereits ein eingespieltes Team, die ihre Chemie aus dem ersten Teil schadlos herüber gerettet haben. Nur weil man ihnen gerne zusieht kann die aberwitzige Geschichte funktionieren, die Strahlkraft ihrer Figuren hält den Laden zusammen. Jared Harris glänzt als Moriarty, wenngleich die Story aus dieser Figur sicher nicht das Maximum herausgeholt hat. Ein bisschen erinnert die Machart des Films an den jüngsten “Mission: Impossible”. Der Schwerpunkt liegt auf Bewegung, Action und dem humorvollen Spiel mit den Figuren. Wenn zwei so vergnügliche Stunden Film dabei rauskommen kann man den Machern kaum böse sein…

4/5

Böde ist das Wort hier allerdings nicht gemeint, eher wie bei Dostojewskis “Der Idiot”; auch da ist es ein Mann mit reinem Herzen und Gewissen, der seine Umwelt genau damit verrückt macht. Rudd spielt Ned, einen Hippie und Hänger, etwa Anfang/Mitte 30, mit Dude-Frisur, der auf einer Farm im Bundesstaat New York lebt. Ned sieht immer nur das Gute in den Menschen – auch wenn das gar nicht da ist. So etwa im Falle des netten Streifenpolizisten, der Ned mit dem Hinweis, er habe eine harte Woche hinter sich und wolle relaxen, dazu bringt ihm selbst angebauten Pot zu verkaufen. Also landet Ned im Bau.

Kaum ist er wieder draußen hat seine Freundin keinen Platz mehr für ihn. Nicht in ihrem Leben und auch nicht auf ihrer Farm. So muss der Gute zurück zu seiner Mutter nach New York City ziehen, wo auch seine drei Schwestern leben. Die haben allesamt mit ihren Beziehungen, Kindern und/oder Jobs genug zu tun, nehmen ihren Bruder aber letztlich natürlich auf.

[Vorsicht: kleinere Spoilers]

Für seine älteste Schwester Liz (Emily Mortimer) spielt er den Babysitter, und assistiert zudem deren Mann Dylan (Steve Coogan) bei seinem Dokumentarfilm über eine junge russische Ballerina. Für Miranda (ELizabeth Banks), eine Journalistin, springt er bei einem wichtigen Termin als Fahrer ein. Mit Nesthäkchen Natalie (Zooey Deschanel) und deren Lebenspartnerin versteht er sich am besten. Doch mit seiner “unkomplizierten” und gutgläubigen Art schafft er es spielend, im Leben seiner Geschwister für Unheil zu sorgen. Wobei die Probleme der drei Frauen natürlich nicht – oder nur sehr bedingt – Neds Schuld sind. Sie kommen nur durch ihn ans Tageslicht.

Dass “Our Idiot Brother” so gut funktioniert liegt am sehr guten Drehbuch, das es mit viel Gespür für die Charaktere vermeidet, aus dem Film einen Versuchsaufbau zu machen. Zum anderen sind es die hervorragend besetzten Schauspieler, die der Story die nötige Glaubwürdigkeit geben. Beschwingt und munter, mal extrem komisch, mal mit gebührendem Ernst entfaltet sich das Geschehen. Langeweile kommt dabei nie auf, auch wenn relativ bald klar ist, worauf die Geschichte hinauslaufen wird.

Wie schon erwähnt gebührt Paul Rudd ein Sonderlob. Er spielt Ned als eine – in der Realität verankerte – Mischung aus dem schon erwähnten Dude aus “The Big Lebowski” und der von Jason Lee gespielten Titelfigur von “My Name is Earl”. Trotz dieser Anleihen ist Ned ein origineller und eigenständiger Charakter. Man muss ihn einfach mögen, wenn er seinem Bewährungshelfer aufrichtig dankt, seinen Hund zurückgewinnen will oder mit seinem Neffen auf dem Trampolin herumhüpft. “Our Idiot Brother” erzählt seine Geschichte mit viel Witz und Herz – und mit dem richtigen Gespür, wann sie zu ende sein muss.

4/5

Das Problem besteht darin, dass der Sohn von Nancy und Alan Cowan (Kate Winslet und Christoph Waltz) dem Sohn von Penelope und Michael Longstreet (Jodie Foster und John C. Reilly) mit einem Stock zwei Zähne ausgeschlagen hat. So geht es natürlich nicht, da sind sich alle einig. Zu Beginn des Films wollen die Cowans eigentlich schon gehen, nachdem man sich bereits auf eine schriftliche Beschreibung der Tat geeinigt hat. Doch so ganz sind die Unstimmigkeiten noch nicht ausgeräumt, und man findet sich bald gemeinsam bei Kaffee und Kuchen am Couchtisch wieder.

Alan Cowan, ein Anwalt und Workaholic, hat für die ganze Angelegenheit dabei nur begrenzt Nerven und telefoniert ständig mit seinem Blackberry . Das wiederum mißfällt seiner Gattin, die sich von Penelope zunehmend als Mutter angegriffen fühlt. Michael bemüht sich, die Wogen ein wenig zu glätten. Aber der Film hieße nicht “Der Gott des Gemetzels” wenn es ihm gelingen würde…

Es fliegen bald buchstäblich die Fetzen, es wird gestritten, diskutiert, verhöhnt, geweint und gelacht. Von Polanski mit ruhiger Hand und großartigem Timing inszeniert kippt langsam, aber sicher die Stimmung. Bald geht es nur noch am Rande um die Rauferei der beiden Söhne, es ist ein Kampf der Egos entbrannt, in dem keiner zurückstecken möchte. Interessanterweise verschieben sich die Fronten zwischen den Charakteren immer wieder, mal ziehen die Herren an einem Strang, dann die Damen, und schließlich auch mal über Kreuz.

Die Schauspieler haben sichtlich Spaß an ihren Rollen, ich würde mich nicht wundern wenn sie alle vier – völlig zu Recht – für Oscars nominiert werden. Auch wenn es um ernste Themen geht ist der Film letztlich eine Komödie, die eine Menge Lacher zu bieten hat. Die herrlich spitzen bis bösartigen Dialoge bereiten großes Vergnügen, die angespannte Stimmung sorgt für zusätzlichen Reiz. So einfach kann großes Kino sein.

5/5

Im Milieu zweier rivalisierender Rettungsdienste in Wien tun sich bald finstere Abgründe auf. Der Film ist mindestens so witzig und gut gespielt wie die beiden anderen, verbindet trockenen Humor in der typischen Wiener Mundart mit einer etwas abstrusen, aber äußerst faszinierenden Krimihandlung. Wer auf diese Mischung steht hat ein kleines Filmfest zu feiern. Und darf hoffen, dass die angekündigte Verfilmung von “Das ewige Leben” endlich mal gedreht wird. Solange das Projekt ruht werde ich mir mal den letzten Roman der Reihe vornehmen, schon des schönen Titels wegen: “Der Brenner und der liebe Gott”.

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4/5

“Never change a winning team” hat sich Phillips wohl gedacht, denn in “The Hangover 2″ sind Stu (Ed Helms), Phil (Bradley Cooper) und Adam (Zach Galifianakis) in ganz ähnlicher Mission unterwegs wie beim letzten mal. Zahnarzt Stu hat die Buddies zu seiner Hochzeit auf eine paradiesische Insel Thailands eingeladen, ein krachender Junggesellenabschied ist nicht vorgesehen. Brav trinken die Jungs gemeinsam mit Stus thailändischem Schwager-in-spe Teddy, einem 16-jährigen Genie, am Strand ein Bier, mehr soll es nicht sein. Trotzdem wachen sie etwa 12 Stunden später in einem heruntergekommenen Hotelzimmer mitten in Bangkok auf – und erleben ein paar böse Überraschungen…

Selten hat es sich eine Fortsetzung so einfach gemacht wie “The Hangover 2″. Das bewährte Prinzip wird mit etwas Exotik aufgepeppt, die Gags und Bilder fallen noch einen Tick drastischer aus, die chaotische Handlung dagegen wird beinahe kopiert. Trotzdem (oder gerade deswegen) funktioniert der Film genau so gut wie der erste. Man bekommt, was man erwartet – und noch etwas mehr.

Die Darsteller sind inzwischen ein eingespieltes Team und beweisen im Zusammenspiel erneut großes komödiantisches Talent. Cooper gibt den lässigen Anführer, Helms den gestressten Jammerlappen, Galifianakis das neurotische und egozentrische Spielkind. Aus dieser recht simplen Konstellation holt der Film eine Menge gelungener Jokes raus. Die Story lebt von ihren guten Einfällen und dem ungewohnten Terrain in Bangkok, bietet dabei immer wieder große und nur selten mal länger als eine Minute gar keine Lacher. Das Ende ist ein wenig zu lahm und brav, doch der brüllend komische Abspann macht das sofort vergessen.

Die Grenzen des guten Geschmacks überschreitet “The Hangover 2″ einige Male, steht dabei aber (gefühlt) auf höherem Niveau als viele jugendfreie Hollywood-Komödien, die in erster Linie auf Fäkalhumor setzen. Die Eskapaden des selbsternannten “Wolfpacks” sind ebenso wild wie unwahrscheinlich, in erster Linie aber sind sie lustig. Noch mehr als im ersten Teil mag mancher das Geschehen - rauchende Äffchen, nackte Transvestiten oder prügelnde Mönche – auch anstößig finden, der jungen Zielgruppe jedoch gefallen genau diese vermeintlichen Tabubrüche am besten.

Wenn eine Fortsetzung lediglich “more of the same” bietet ist das meistens keine gute Nachricht. Neue Entwicklungen und Einfälle sind fast immer unerlässlich, um dem Stoff neues Leben einzuhauchen. Im Falle von “The Hangover 2″ ist das anders. In leicht abgewandelter Form und vor exotischer Kulisse zündet der Film ein sehr ähnliches Gag-Feuerwerk wie vor zwei Jahren, und genau wie damals wird mächtig viel gelacht im Saal. Mehr kann man von einer Komödie nicht erwarten.

4/5

Frost und Pegg spielen die Hauptfiguren Clive und Graeme, die in den USA urlauben. Ihre erste Station ist die Comic Con, jene bunte Nerd-Attraktion, die seit Jahren Scharen von “Batman”, “Star Trek” und Sci-Fi-Fans anzieht. Danach wollen sie mit dem Wohnmobil die bekannten Pilgerstätten der UFO-Sichtungen ansteuern, angefangen natürlich bei der berüchtigten ‘Area 51′. Kaum sind die beiden unterwegs werden sie Zeuge eines Autounfalls – nur um dann verdutzt festzustellen dass der Fahrer zwar wohlauf ist, aber eben ein Alien, das sich als Paul vorstellt.

US-Komiker Seth Rogen leiht “Paul” in der Originalfassung die Stimme, was schon deshalb passt, weil Paul sich ähnlich benimmt wie Rogen in Filmen wie “Knocked Up” und “Pineapple Express” – nämlich ausgiebig daneben. Immerhin hat Paul einen Plan, er will sich von Artgenossen per UFO retten lassen, muss allerdings pünktlich am Treffpunkt sein. Nicht ganz einfach, denn der Secret Service hat die Verfolgung längst aufgenommen. Jason Bateman spielt Agent Zoil, der bei seiner Jagd von den rammdösigen Loser-Cops Haggard und O’Reilly “unterstützt” wird. Die wiederum werden von Bill Hader und Joe Lo Truglio gespielt, die schon in “Superbad” als Trottel überzeugenen konnten.

Die Grund-Konstellation der Geschichte ist gelungen, und “Paul” holt fast alles aus ihr raus. Christliche Fundamentalisten und Hillbillies bereichern die Story, der Roadmovie-Charakter sorgt für ordentlich Bewegung und die meisten Gags – etwa über Pauls Einfluss auf die Popkultur – zünden tatsächlich. Auch die Spezial-Effekte überzeugen, der komplett am Computer entworfene Paul wirkt real und greifbar, den Schauspielern ist nicht anzumerken, dass sie faktisch ständig vor dem Bluescreen Faxen machen. Pegg und Frost sind ein eingespieltes Team, das die Sympathien des Publikums nach wenigen Minuten in der Tasche hat – der Rest läuft dann wie von selbst.

Von selbst funktioniert aber natürlich keine Komödie. Es ist also Regisseur Greg Mottola (“Adventureland”) und den Drehbuchautoren zu verdanken, dass sie ihre Geschichte so lässig und unterhaltsam weiterspinnen. In Verbindung mit den guten Schauspielern ergibt das eine sehenswerte Komödie – nicht unbedingt der nächste “The Big Lebowski”, aber eine äußerst lohnenswerte Investion in ein Kinoticket.

4/5

Sallys Vater Alfie (Anthony Hopkins) ist auf seine alten Tage zum Fitness-Geek geworden, bemüht das Leben eines unbekümmerten Junggesellen zu führen – und reicht die Scheidung von seiner Frau Helena (Gemma Jones) ein. Die nimmt daraufhin erst eine Extraportion Schlaftabletten und anschließend ausgiebige Sitzungen bei einer Wahrsagerin. Die wiederum verrät ihr nicht nur ihre eigene (sehr rosige) Zukunft, sondern auch die von Sally und Roy – was dem Hausfrieden der beiden nicht eben förderlich ist.

Unterlegt von einem Off-Kommentar verfolgt der Film Leben und Leiden seiner Figuren für einige Monate, in der alle eine Menge Veränderungen durchmachen. Wie nicht anders zu erwarten bei Woody Allen dreht sich das Beziehungskarussell, allerdings nicht unbedingt in die Richtung, die man vielleicht erwartet hat. Die gelungenen Nebenfiguren (u. a. eine schöne Nachbarin von Sally und Roy sowie eine junge Teilzeit-Prostituierte) runden das groß aufspielende Ensemble ab, die Schauspieler spielen beschwingt und wie es scheint sehr befreit auf.

Das Drehbuch sieht recht offensichtlich für jede Figur eine unterschiedliche Entwicklung vor, schafft es jedoch, diese glaubwürdig und plausibel erscheinen zu lassen. Nicht der erhobene Zeigefinder diktiert hier den Gang der Dinge, sondern die mit viel Humor vorgetragene Überzeugung, dass das Leben sich nur bedingt in die Karten sehen lässt. Man könnte hier kritisch anmerken, dass “You Will Meet a Tall Dark Stranger” keinen großen Erkenntnisgewinn mit sich bringt. Aber darum geht es Allen auch gar nicht, er beschäftigt sich einmal mehr mit seinen Lieblingthemen, dem Leben in der Großstadt, der Kunst, der Angst vor dem Alter/Tod und den Tücken zwischenmenschlicher Beziehungen.

Der Film gehört wohl nicht zu Allens ganz großen Werken, enthält aber alles, was man von einem guten Film des Regisseurs erwartet. Er unterhält auf hohem Niveau, bietet herrliche Dialoge und süffisant vorgetragene kleine Lebensweisheiten. Für Fans also unbedingt empfehlenswert, alle anderen werden ohnehin die Finger davon lassen und sind wie üblich selbst schuld.

4/5

Serienstars wie früher David Hasselhoff (“Knight Rider”) oder Richard Dean Anderson (“MacGyver”) konnten sich eine Kinokarriere abschminken (bei den beiden kann sich noch drüber freuen….). Man musste sich damals entscheiden – TV oder Kino, es war lediglich der “Abstieg” vom Kino- zum Filmstar möglich. Serien waren entweder endlos-Seifenopern wie “Dallas” oder recht alberner Quatsch für Teenager oder Kids. Ein paar Ausnahmen bestätigen die Regel (“M.A.S.H.”, “Magnum PI”).

Seit den 90ern ist das anders, David Lynchs “Twin Peaks” kommt da eine wichtige Rolle zu. Das Niveau der Fernsehserien ist gestiegen, sie folgen nicht mehr zwingend dem alten Gesetz, dass jede Folge in sich geschlossen sein muss. Stars schaffen seitdem häufiger den Sprung ins Kino. Jennifer Aniston (“Friends”) und George Clooney (“Emergeny Room”) sind dafür gute Beispiele, inzwischen wechseln viele Schauspieler zwischen den ‘Welten’ hin und her, ohne dass es noch jemanden interessiert.

Hier sind also meine Favoriten aus der ‘Neuzeit’ der Fernsehserien, in chronologischer Reihenfolge, was den US-Start der jeweils ersten Staffel angeht:

1. Twin Peaks (1990)

Angefangen hat alles mit “Twin Peaks”, David Lynchs absurd-surrealer Mystery-Krimiserie von 1990. Die erste Ausstrahlung von RTL habe ich (mit damals 11 Jahren) verpasst, aber ein paar Jahre später wurden alle Folgen bei ‘Tele5′ wiederholt. Die Mördersuche in einer Kleinstadt in Nordwesten der USA ist weit mehr als nur ein Krimi, sie seziert das Innenleben der Bewohner, genüßlich und mit viel Humor.

Das beste an der Serie sind die einzigartigen Charaktere, allen voran FBI-Agent Cooper – Kyle MacLachlan in der Rolle seines Lebens. Im Zusammenspiel mit den lokalen Cops, den Eltern der Toten, ihren Freunden und Neidern dringt er immer tiefer in die wirren Hintergründe des Verbrechens ein, stösst immer wieder auf neue Abgründe. Zudem ist es vielleicht die erste Serie überhaupt, die Teenager als ernst zu nehmende Menschen mit realen Problemen (und was für welche…) zeigt, und nicht die immer gleichen Klischees aneinander reiht.

Als der eigentliche Fall gelöst ist war das Zuschauerinteresse (zumindest in den USA) immer noch so groß, das noch eine “neue” Handlung oben drauf gesetzt wurde. Das Finale um Coopers Nemesis Wyndom Earle ist ein Leckerbissen für alle Lynch-Fans, so wie die ganze Serie. Trotz diverser Konflikte beim Dreh und der Entwicklung des Story ist “Twin Peaks” ein echter Meilenstein des Qualitätsfernsehens.

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2. The Sopranos (1999)

Nach “Twin Peaks” kam lange nichts mehr. Ich muss aber auch zugeben, dass ich nicht sonderlich gezielt gesucht habe, “Akte X”, “Friends”, “Ally McBeal” und Konsorten habe ich wohl mal gesehen, aber wirklich interessiert hat mich keine der Serien. Bis Ende der 90er die Sopranos kamen. Sie wurden – genau wie im Kino ein paar Jahre zuvor “Pulp Fiction” – vom Spiegel angekündigt und dann vom ZDF ins Nachtprogramm verbannt; gut, dass es Videorekorder gibt (oder eher gab – hat noch jemand einen?).

Das Portrait eines Mafia-Clans aus New Jersey – ob der Name “Soprano” wohl ein Zufall ist? – beleuchtet pointiert die Abgründe des Alltags. Allein die erste Folge, in der Mafia-Boss Tony einer Therapeutin sein Herz ausschüttet, dabei aber nicht die ganze Wahrheit erzählen darf, ist Sinnbild für die Qualität des Stoffes. Die Leistung des Schauspieler-Ensembles ist bemerkenswert, die Charaktere wachsen einem im Verlauf der 6 Staffeln richtig ans Herz.

Eine kleine Schwächephase sind – nach meiner Erinnerung – die beiden mittleren Staffeln, aber vielleicht würde ich das heute auch anders sehen. Die “Sopranos” beginnen auf relativ kleiner Flamme (mit internen Schwierigkeiten), bevor die Spannungen zwischen den rivalisierenden Gangster-Clans von New York und New Jersey zunehmen. Ein weiterer Volltreffer der Serie: sie läuft nicht einfach aus, sie hört bewusst auf. Das klingt banal, doch Fakt ist, dass die meisten Serien wegen ausbleibendem Erfolg einfach nicht verlängert werden – und dann ist das Ende einer Staffel auch das Ende einer Serie, selbst wenn die Autoren einen anderen Schluss im Sinn hatten.

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3. 24 (2001)

Inzwischen ist in den USA die achte Staffel gelaufen, ich selber habe nur die ersten drei gesehen. Und trotzdem steht die Serie in dieser Liste, denn sie hat es geschafft, innovativ, mutig und erfolgreich zu sein. Das fiktive Zeit und echte Zeit mal deckungsgleich sind in Filmen oder Serien hat es schon immer gegeben, aber daraus eine komplette Dramaturgie zu machen war neu – und nicht ohne Risiko.

Doch den Machern von “24″ ist es gelungen, dieses Prinzip zu etablieren, das Publikum zu begeistern und dabei eine gute Geschichte abzuliefern. Sicher, ein paar Löcher und Fehler sind schon drin im Plot – die gewollte Atemlosigkeit des Geschehens fordert ihren Tribut. Doch die Schauspieler, allen voran Kiefer Sutherland als Agent Jack Bauer, und der spannende Terrorplot (der ersten beiden Staffeln) können dennoch überzeugen.

Wie ich höre ist der gute Jack Bauer in den späteren Staffeln – er war schon zu Beginn kein Kind von Traurigkeit – zu Amerikas TV-Folterknecht Nummer 1 geworden, was natürlich keine schöne Entwicklung wäre. Ich habe von dem Format nach 72 Folgen einfach mal genug gehabt, und werde die fehlenden Staffeln eher nicht mehr nachholen. Doch den Platz in dieser Liste hat “24″ sich verdient…

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4. Weeds (2005)

Die moderne Idylle wohlhabender US-Vorstädte hat schon anno 1999 “American Beauty” satirisch auseinander genommen. In “Weeds” ist diese Idylle von Anfang an dahin, nach dem Tod ihres Mannes muss sich eine Hausfrau alleine durchschlagen. Doch den Lebensstandard zu halten ist gar nicht so einfach, wie Nancy Botwin (Mary-Louise Parker) feststellen muss, weshalb sie es mit dem Verkauf von Gras versucht.

Ersten Erfolgen stehen zunehmend größere Probleme im Wege, mit Rivalen, den Gesetzeshütern und den eigenen Kids – vor denen sie ihren neuen Brötchenbezahl-Plan nicht lange geheim halten kann. “Weeds” wechselt zwischen Satire und reiner Comedy hin und her, ist auch mal sozialkritisch oder politisch unkorrekt, dabei aber in erster Linie immer eines: unterhaltsam. In den besten Folgen sind die Dialoge (im Original) so witzig dass man hin und wieder Pause drücken sollte, damit einem nichts entgeht.

Wohin die Reise der Botwins noch gehen wird ist am Ende der ersten Staffeln keinesfalls abzulesen, die Drehbuchautoren treiben es in jeder neuen Staffel (scheinbar) wieder von neuem auf die Spitze. Inzwischen ist die sechste Staffel gelaufen, wie man hört wird nach der siebten Schluss sein. Ich bin mal gespannt und hoffe darauf, dass die Autoren einen ECHTEN Schluss schreiben, keinen Kompromiss, der irgendwann doch noch fortgesetzt werden könnte…

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5. Dexter (2006)

Fast jede Serie in dieser Liste ist nicht unbedingt sehr fest in der Realität verwurzelt – im dem Sinne, dass die gezeigte Handlung besonders realistisch wäre. “Dexter” schießt aber eindeutig den Vogel ab, denn es geht um einen Kriminal-Mediziner, der gleichzeitig Serienkiller ist. Aber ein guter Serienkiller. Der es in Miami in jeder Staffel mit einem neuen, bösen Serienkiller zu tun bekommt, der jedes mal HAARSCHARF davor steht, mit einem Riesenknall aufzufliegen, dann aber doch davon kommt.

Doch dazu zweierlei: Erstens ist die “Bedrohung” durchaus real, es erscheint nicht unmöglich, dass Dexter Morgan (Michael C. Hall) irgendwann doch noch in Handschellen abgeführt wird. “Dexter” ist schließlich nicht das “A-Team” auf der Flucht vor Colonel Decker. Zweitens ist es den Stärken von Drehbuch, Schauspielern und Inszenierung zu verdanken, dass einem nur selten bewusst wird, wie UNGLAUBLICH die Handlung eigentlich ist.

Tatsächlich ist die Serie kontinuierlich mit (fast) jeder Staffel besser geworden, noch spannender, noch zynischer, noch grenzwertiger. Die extrem blutige Angelegenheit (FSK 18) ist sicher nicht jedermanns Feierabende-Vergnügen, ich freue mich trotzdem schon auf Staffel Nummer sechs im nächsten Jahr!

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6. Californication (2007)

Wer bisher geglaubt hatte, Dave Duchovny hätte mit Agent Fox Mulder schon die Rolle seines Lebens gespielt muss seit 2007 umdenken. Denn der ist als turbo-hedonistischer, zynischer Schriftsteller Hank Moody in “Californication” zu gut um wahr zu sein. Mit charmantem Blick im Porsche-Cabrio durch Los Angeles fahrend fängt er dutzendweise Frauengeschichten an, was seine schöne Ehefrau Karen (Natasha McElhone) ihm irgendwann nicht mehr verzeihen kann.

Doch das Ende ist im Hause Moody immer wieder ein neuer Anfang, als (relativ) konstante Stütze bleibt ihm dabei seine Tochter Becca treu. Die durchlebt ihrerseits Höhen und Tiefen des Teenagerdaseins und hat mit ihrem Dad jemanden im Gepäck, der als Vorbild nur bedingt tauglich ist. Ein echtes Highlight der Serie sind zudem Hanks Agent, der Glatzkopf Charlie Runkle samt koksnasiger Gattin Marcy. Nicht zu vergessen Kathleen Turner (jawoll, die aus den 80ern), mit Mut zum Übergewicht und einer Stimme, die auch Joe Cocker gehören könnte.

“Californication” ist in erster Linie Comedy, und vielleicht die lustigste Show die ich je gesehen habe. Bei allem Slapstick und aller Übertreibung lassen die Figuren aber hin und wieder durchscheinen, dass sie der Realität noch nicht endgültig entfleucht sind. Bis auf wenige Ausnahmen sind sie nur alle zu egoistisch, triebgesteuert und unreif um sich wie erwachsene Menschen aufzuführen.

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7. John from Cincinnati (2007)

Die “Sopranos” verließen im Herbst 2007 die Fernseher dieser Welt, und halb Amerika schaute zu. Sender HBO wollte das Publikum gleich mit der nächste Serie ködern und startete “John From Cincinnati” auf dem “Sopranos”-Sendeplatz am Sonntagabend. Doch die Mystery-Surfer-Sage erwies sich als nicht massentauglich, und wurde nach der ersten Staffel wieder eingestellt. Schade, schade.

Aber diese eine Staffel immerhin ist großes Fernsehen geworden. Der Titelheld erscheint aus dem Nichts auf der Bildfläche in Südkalifornien und lernt eine Reihe von mehr oder minder merkwürdigen Gestalten kennen. Im Mittelpunkt steht dabei die Familie Yost, aus deren Reihen schon in der dritten Generation Ausnahmekönner des Surfsports kommen.

Den Plot wiedergeben zu wollen wäre sinnlos und unmöglich, die Serie verweigert sich einer konventionellen Erzählweise und gibt sich verschroben und geheimnisvoll – genau wie ihre Charaktere. Etwas ist faul bei den Yosts und den meisten ihrer Freunde und Bekannten. Ein abgewrackter Rocker, ein Ex-Bulle (gespielt von Ed O’Neill ala Al Bundy), und ein abtrünniger Mediziner bevölkern die Szenerie, Themen wie Drogensucht, Wunderheilung und eiskalte Geschäftspraktiken unter Surfsport-Größen ergeben ein wirres, von großartigen Momenten und hintergründigem Witz geprägtes Gesamtbild. Die Nähe zwischen Genie und Wahnsinn war nie besser auf der Leinwand zu beobachten als in “John From Cincinnati” – und natürlich “Twin Peaks”.

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8. Bored to Death (2009)

Diese kleine Comedyserie von HBO ist sicher nicht jedermanns Sache, trifft aber sehr genau meinen Geschmack. Drei mit dem Leben hadernde Männer kämpfen sich in Manhattan durch den Alltag. Schriftsteller Jonathan (Jason Schwartzman) wird am Anfang von seiner Freundin verlassen (weil er zuviel Weißwein trinkt und zuviel kifft) und versucht sich auf der Suche nach Ablenkung daraufhin als Hobby-Privatdetektiv.

Comic-Zeichner Ray (Zach Galifianakis) kommt ebenfalls nicht recht voran, während Publizist George (Ted Danson) das Leben geniesst als wäre er keine 60, sondern 25 Jahre alt. Die Mischung aus Neo-Noir (u. a. ein lakonischer Off-Kommentar), Großstadthumor mit Anleihen bei Woody Allen und niveauvollem Kiffer-Slapstick (ja, sowas gibt es hier!) ist feinste Unterhaltung. Es gibt in dem bunten Treiben auch mal Tiefgang, doch die Hauptfiguren sind äußerst geschickt darin diesen mit viel Humor zu übersehen…

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9. Boardwalk Empire (2010)

Diese Serie ist noch nicht mal am Ende der ersten Staffel – wenn auch knapp, es fehlt nur eine Folge – und darf hier trotzdem nicht fehlen. Die Erwartungen an “Boardwalk Empire” waren hoch, schließlich inszenierte Martin Scorsese den Pilotfilm (und ist Produzent der Serie), zudem ist die Besetzung recht prominent (Steve Buscemi, Kelly MacDonald, Michael Shannon) und der Sendeplatz ist der oben bereits erwähnte “Sopranos”-Sonntagabend.

Buscemi spielt Nucky Thompson, der Anfang der 1920er Jahre in Atlantic City die Fäden zieht. Die Prohibition guckt um die Ecke, ebenso das Wahlrecht für Frauen – die Zeit ist eine andere als die moderner Gangster. Doch die Methoden sind die gleichen. Nucky und seine Männer haben die Stadt fest im Griff, verdienen überall mit und lassen fröhlich die Puppen tanzen. Doch aus New York kommt Konkurrenz, ein paar lokale Gauner machen Stunk und überhaupt artet das Strippenziehen auf politischem, gesellschaftlichem und geschäftlichem Parkett zunehmend in harte Arbeit aus.

Die Figuren entwickeln sich langsam, aber stetig, man hat offenbar damit gerechnet eine zweite Staffel drehen zu dürfen, die den Pfaden weiterspinnt. Die ist tatsächlich gleich nach dem Start der Serie genehmigt worden, man kann sich schon drauf freuen. In Deutschland soll “Boardwalk Empire” beim Pay-TV-Sender ‘TNT Serie’ laufen, laut WELT Online. Allerdings habe ich von dem Sender nie gehört, wohl weil ich noch nie Pay-TV-Kunde war..

Knapp nicht dabei:

Zwei Serien sind noch zu nennen, die es beinahe, aber eben nicht ganz in diese Liste geschafft haben. Zum einen “Mad Men”, weil ich zwar von Witz, Dialogen und vielem mehr begeistert war, aber Ende der zweiten Staffel trotzdem aufgehört habe zu gucken. Ein bisschen viel Show, ein bisschen zu wenig Story. Kann aber gut sein, dass ich die übrigen Folgen noch nachhole und mein Urteil revidiere…

“Lost” ist auch draußen geblieben, schon weil ich noch in der vierten Staffel stecke und also noch gar nicht weiss was zur Hölle denn nun eigentlich los ist auf der Insel. Aber ehrlich gesagt habe ich nicht (mehr) die Hoffnung, dass es da noch eine überzeugende Erklärung jenseits von “Ist alles Traum/Sind alle tot/etc.” geben wird. Die Serie zelebriert das Erzählen von Geschichten und macht eine Menge Spaß – sollte am Ende doch noch alles wirklich zusammenpassen werde ich sie gerne hier ergänzen…

Gleich zu Beginn wird Machete von Drogenboss Torrez (Steven Seagal!) übel zugerichtet, bevor er dann auch noch mitansehen muss, wie seine Frau einen Kopf kürzer gemacht wird. Womit auch schon die Tatsache etabliert wäre, dass “Machete” nichts für Menschen ist, denen graphische Gewalt im Kino unangenehm ist. Es wird verdammt blutig gemetzelt in dem Streifen, Kopfschüsse, Hinrichtungen, abbgetrennte Gliedmaßen und sogar eine Kreuzigung sind Teil des Programms.

Der Plot, der sich nach der Exposition entfaltet, kreist um die Thematik illegale Einwanderer an der grenze von Texas. Ein korrupter Senator (Robert De Niro) und seine fiesen Schergen wollen einen Zaun errichten, mit dem sie die Grenze kontrollieren wollen. Mitmischen tun in dem gewalttätigen Treiben außerdem Michelle Rodriguez als Käpferin für die Rechte der Illegalen, Jessica Alba vertritt die US-Einwanderungsbehörde im Außendienst, Cheech Marin ist als Priester dabei, Don Johnston als Anführer einer schießwütigen Bürgerwehr und Lindsay Lohan gibt die aufmüpfige Tochter von Torrez’ rechter Hand Booth.

Mit viel schwarzem Humor, sehr gutem Timing und ganz den ungeschriebenen Regeln des Genres folgend ist “Machete” ein äußerst vergnüglicher, temporeicher Trash-Film geworden. Die prominente Besetzung spielt durch die Bank groß auf, wobei ironischerweise hier der ewige Nebendarsteller Trejo endlich mal die erste Geige spielen darf. Inzwischen 66 Jahre alt und mit einem Gesicht, das man getrost als “vom Leben gezeichnet” umschreiben darf, spielt Trejo als “Machete” groß auf. Er ist ein Mann der Tat, nicht der großen Worte, oder wie er selbst sagt: “Machete don’t text.”

Natürlich nimmt der Film sich nicht sonderlich ernst, die Neigung zur Übertreibungen zieht sich durch den die gesamte Handlung. Die politischen “Untertöne” sind ebenfalls überspitzt, auch wenn Robert Rodriguez keine Zweifel aufkommen lässt, auf wessen Seite seine Sympathien liegen. Wie schon bei “Planet Terror” hat er seinem Film einen gebrauchten Look gegeben, es findet sich Schmutz auf der Leinwand als wäre er mindestens 30 Jahre alt, und auch der Sound ist zuweilen gewollt mies abgemischt. Als Gesamtpaket funktioniert “Machete” sehr gut, es gibt einiges zu lachen und großes Actionkino der ganz alten Schule. Man muss nur ein Faible für B-Movie-Reißer haben, um das auch genießen zu können.

4/5

PS: Das B-Movie-Duell mit Stallones “Expendables” gewinnt “Machete” deutlich, schon weil es kaum langweilige oder unnötige Szenen gibt.